Bailarinas de Ballet Americanas Famosas Nacidas en 1969
La danza moderna norteamericana, tanto como nuevo vocabulario técnico como creación coreográfica, que no es ajena a los sucesos históricos contemporáneos, nace oficialmente con el advenimiento de Martha Graham.
Martha Graham: Una Revolucionaria de la Danza
Verdadera revolucionaria de la danza de este siglo, su figura alcanzó la categoría de mito y hasta fue comparada con Pablo Picasso por su renovación permanente y el quiebre de las estructuras tradicionales.
Martha Graham nace en 1894 en la puritana Pensilvania. A los 14 años se traslada con su familia a Santa Bárbara (California). En 1913 se inscribe en la Gumnock School de Los Angeles, una escuela de danza y teatro con un programa de estudios inspirado en las teorías de las vanguardias europeas. En 1916 ya diplomada ingresa a la escuela de Ruth Saint-Denis y Ted Shown y en 1926 se traslada a New York. En estos primeros años de enseñanza independiente comienza a forjar su nuevo sistema de movimiento.
Su colaboración con el músico Louis Horst se hace cada vez más intensa. A través de él toma contacto con las grandes corrientes de la danza libre europea: las teorías del movimiento y el diseño del cuerpo en el espacio de Rudolf von Laban, la estética de Mary Wigman y las investigaciones de Francoise Delsarte, con su ley fundamental del nexo constante entre gesto y espíritu.
“Hace ya mucho tiempo que decidí que mi lugar está en el centro y adelante”, decía Martha Graham con la firmeza que caracterizó su vida.
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A pesar de no contar con las aptitudes técnicas de sus compañeras, poseía, sin embargo, una cualidad que la distinguía de las demás: su extraordinario fervor. La tenacidad y entrega emocional de Martha eran excepcionales y compensaban cualquier tipo de carencia.
Trabajaba hasta muy entrada la noche y era claro que esperaba el mismo compromiso de los demás. A los pocos años de haber pisado por primera vez un estudio de danza ya había obtenido un papel como solista al que se había entregado con ferocidad.
“Haré este tipo de trabajo o cualquier otro que desee hasta que el público me indique que debo detenerme”, fue la respuesta de la bailarina a las críticas recibidas de sus maestros cuando decidió abrirse camino sola, en 1926. Como maestra, Martha reclamaba la más absoluta entrega.
En sus clases nadie reía, charlaba ni murmuraba. No había ni “buenos días” ni “adiós”, sólo se escuchaba su voz dirigiendo indicaciones. Una de las tantas anécdotas con respecto a su exigencia cuenta que los maridos de las bailarinas habían formado un club para entretenerse mientras sus mujeres trabajaban: los ensayos podían durar toda la noche, fines de semana, vacaciones y vísperas de Navidad.
Para ella la disciplina era la fuente del éxito: “El bailarín es realista, su arte le enseña a serlo. No importa si el pie está en puntas o no, ningún sueño lo pondrá en puntas por nosotros. Para ello se necesita disciplina, no sueños. ¿Cuántos salto hizo Nijinsky antes de hacer el que sorprendió al mundo?: miles y miles. Esa leyenda es la que nos da energía, fuerza y arrogancia para volver al estudio a trabajar entre el montón y poder nacer una vez más como el único bailarín”.
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Sin embargo, los reclamos de Graham no se limitaban a cualidades técnicas: “Lo que busco de un bailarín es su avidez, su voracidad por la vida....una memoria de sangre, en el sentido de que pueda extraer de su vida más de lo que realmente ha vivido. Tiene que haber voluntad por explorar sentimientos desconocidos y atreverse a sentirlos. Esto puede parecer aterrador pero hay que hacerlo porque no existe otra opción”.
Al igual que en otras corrientes artísticas - especialmente el teatro -, el agitado clima político y social de la década influyó en el movimiento de manera decisiva. Los nuevos coreógrafos mostraban un gran compromiso social y un deseo de llevar la danza a una mayor cantidad de público.
A su vez, también crecía entre ellos un fuerte desprecio hacia el ballet ‘de establishment’ y la liviandad de sus argumentos, que sólo reproducían el romanticismo del siglo XIX y estaban dirigidos a una elite . Martha Graham no estuvo ajena a este movimiento.
Influenciada por la corriente filosófica existencialista - especialmente por su amigo Jean Paul Sartre- y el socialismo, sus trabajos Heretic y Sketches for the people eran estudios sobre la rebelión de masas . Además, apoyó a la resistencia española en contra del alzamiento militar del general Franco y al levantamiento obrero en Estados Unidos durante la depresión del ‘30.
Pero en algo su trabajo fue realmente revolucionario: en su necesidad de expresar la realidad americana y lograr un estilo que se diferenciase del ballet europeo . En sus obras Frontier y Appalachian Spring, la coreógrafa reflejaba -a través del argumento, los movimientos y el vestuario- la vida cotidiana del pueblo estadounidense.
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En la década del ´50 Martha Graham ya era una de las bailarinas más renombradas del mundo y la auténtica líder de la danza moderna. Su producción coreográfica era enorme y sus temáticas se habían ampliado hacia direcciones tan diversas como los rituales religiosos, la mitología griega, la condición de la mujer, la tragedias poéticas y la sátira. Además, tenían un halo de sexualidad y pasión, gracias al gran amor que estaba viviendo con uno de sus bailarines.
El Gran Aporte Técnico de Graham a la Danza
El gran aporte técnico de Graham a la danza fue la creación de un nuevo método denominado por ella misma ‘contracción y release’. A través de movimientos curvos y ensimismados del torso, la coreógrafa expresaba una parte esencial e ineludible del ser humano, obviada hasta ese momento: el dolor.
Si en el ballet clásico uno de los propósitos básicos era ocultar el esfuerzo, ella lo hacía visible porque “es parte de la vida” . De esta forma, todo el abanico de sentimientos quedaba representado: odio, amargura o éxtasis eran transmitidos con un solo gesto. Martha se concentró en el torso como fuente de vida, como motor.
“Los brazos y las piernas pueden ser usados para manipulaciones o traslados, la cabeza para decisiones y juicios. Pero todo, cada emoción se hace visible primero en el torso. El corazón late y el pulmón se llena, allí está el aire y con él la vida”. Este estilo coreografico le dio a sus obras una visión dura y angular, con reminiscencias cubistas; como en su célebre obra Lamentation, en la que la bailarina expresaba la angustia de una mujer, envuelta en un largo tubo de tela elástica en el que sólo su cara quedaba expuesta.
Estas formas eran muy poco familiares para el asiduo público de ballet, quienes, en un prinicipio, la acusaron de bailar de forma ‘antiestética’.
A pesar de la fama y los honores, a la bailarina le costaba cada vez más sostener su compañía, ya que se negaba a que sus obras fueran representadas por otros grupos de danza o por alguien que no haya sido entrenado en su enseñanza y estilo. Sabía que al entregar sus coreografías perdería el control de las mismas y esto podía desvirtuarlas.
En 1968, a los setenta y cuatro años, Martha Graham dio su última función como bailarina. Desde hacía ya mucho tiempo, la crítica y sus propios compañeros la presionaban para que dejase el escenario. Pero el costo de esta decisión fue muy grande: la coreógrafa cayó en un colapso físico y moral durante varios años.
Sin embargo, en 1973 Graham renació de sus cenizas: volvió a crear coreografías, a ponerse al frente de su compañía y a acompañarla en las giras hasta su muerte, a los noventa y siete años.
Tiene un rostro singular, tan pálido como la nieve, con dos ojos inmensos y negrísimos, un trazo brusco de color rojo por boca y pómulos salientes muy altos. Se dice que creó la danza norteamericana con el mismo carácter que su cara, y así debió ser. Nació en 1894, en Allegheny, Pennsylvania, y se mudó a California con su familia a los 14 años. Estudió con la bailarina pionera de la danza norteamericana Ruth S. Denis.
En la década de 1940 comienza a diseñas sus célebres danzas inspiradas en la angustia de la existencia humana.
Le pido que cite el primer nombre de una de sus coreografías que se le viniera a la mente, y dice: "Cave of the Heart" (Cueva del corazón); que es una interpretación de un pasaje de la mitología griega: Medea, loca de odio, se traga sus propias entrañas, en un pavoroso y escalofriante solo.
Le pregunto qué siente cuando oye decir que ella representa en ballet el feminismo norteamericano, y dice: "es verdad, mi ballet representa el punto exacto entre lo corporal y lo espiritual, logrado con una disciplina estricta: tal cual viven las mujeres para subsistir. Por eso privilegio la danza antes que la música, la danza es esencialmente femenina". Cuando el presidente norteamericano le entregó la Medalla de la Libertad, dijo: "En la vida como en el arte se lucha por el logro, por el sentido de ser y por la satisfacción del espíritu. Uno se vuelve atleta de Dios".
Mi Compañía se formó con cuatro bailarines y dimos una sola función para un reducido público; para cubrir los gastos de esa única presentación tuve que dar clases durante un año entero". Al comenzar los años treinta el "estilo Martha Graham" ya estaba forjado. Se dice que con su trabajo se ubica como una de las grandes creadoras, "porque supo acrecentar el lenguaje del espíritu a través del cuerpo humano. Ha revolucionado la iluminación, el vestuario, la escenografía y la composición musical".
Su ballet "Tributo a la Paz" es célebre. Cuando últimamente Rudolf Nureyev puso en la Metropolitan Opera House el ballet "Clitmnestra", el NEWSDAY la calificó como "...la obra maestra de la Graham", y agrega: "se puede sentir la locura de Clitmnestra, su agonía...la maldad de su amante Egisto... Es una obra vital que crea un vibrante flujo emotivo y enérgico entre artistas y público".
En Guanajuato, su Compañía ha integrado el programa con "Divertimento de ángeles", "Diálogo Seráfico", "Judith", "Viaje Nocturno", "Frescos" y "Actos luminosos", coreografías que el público hemos aclamado.
Nos recibe al medio día, en su hotel; está rodeada siempre por discípulos de su Compañía, que la tratan con gran familiaridad, sin embargo, nadie la interrumpe cuando habla.
- Sí ha habido un cambio. Porque en la primera parte de esta técnica, en el movimiento inicial, todo surgía de mí; surgía y se recreaba, tenía esa naturaleza misma de la danza.
- Lo ha enriquecido, lo ha perfeccionado. cuerpos.
- Tener una Compañía tantos años la debe haber enfrentado a muchas cosas para mantenerla activa.
- ¡Oh! ¿Usted quiere que le cuente mi vida?. Eso es casi imposible pues requiere mucho tiempo. Le diré solamente que no somos una compañía nacional, esto quiere decir que no somos estatales, o sea que no recibimos ayuda de ninguna índole del gobierno de nuestro país.
- Hay una Fundación que nos da algo, pero en la administración actual que tenemos en los Estados Unidos ha habido enormes gastos de presupuesto. La Fundación que apoya a las compañías de danza, por ejemplo, ha reducido el presupuesto a la mitad. Entonces, necesitamos dinero para sobrevivir. Idealmente tendríamos que tener un salario todo el año para los bailarines, pero nuestros ingresos provienen un cincuenta por ciento de la taquilla y los donativos cubren la otra mitad.
- Nosotros igual debemos buscar financiamiento de las grandes corporaciones, nosotros igual tenemos un consejo de directivos y a ellos tenemos que explicarles que somos practicantes de un arte, que somos gentes y no productos que se venden y que necesitamos dinero para sobrevivir...ya en alguna ocasión lo dije: "cuando los poetas salen de alguna ciudad, esta ciudad muere".
Dejé de hacerlo en 1970, pero planifico un estreno al año para mi compañía; generalmente de los coreógrafos de edad "un poco avanzada" (ríe), como yo, se dice que ya no e...
El punto de referencia central de la técnica es el acto de la respiración. Esta como proceso fisiológico implica enteramente la parte central del cuerpo: tórax y abdomen. La región abdominal es fuente de energía en cuanto a zona de conexión de las dos fuerzas fundamentales creadoras de vida: el sexo y la respiración. Es por esto que el cuerpo del bailarín para llegar a ser plenamente expresivo debe hacer visible todo gesto proveniente de esa zona central, rica en energía.
De aquí que el ejercicio basal de esta técnica sea la contracción (exhalación) y relajación (inhalación), movimiento de oposición de dos fuerzas opuestas y complementarias que simboliza el flujo de la respiración. El "contraction-release" produce una curva cóncava de la parte final de la espina dorsal, mediante el empujón de la pelvis hacia delante. Se establece un circuito vital entre el muslo y la pelvis, que sube por el torso y se cierra sobre sí mismo. No hay que olvidar que en la relajación no se pierde el dominio del cuerpo.
Justamente es el dominio de la zona abdominal lo que permite al bailarín tener un equilibrio en toda posición y un centro del cual se desprende toda la energía. Este centro permite incorporarse de cada caída sin aparente punto de apoyo. Otra característica del entrenamiento es el constante contacto con el suelo. El pie se estira desde el talón, elemento que extrae de otras culturas, fundamentalmente indígenas. Otro movimiento característico lo constituyen los espirales: el cuerpo se torsiona sobre sí mismo. Los espirales, los cambios de dirección, los saltos: todo tiene su origen en el centro de energía: la pelvis.
Marta Graham tomó elementos del ballet y las danzas orientales pero estos fueron fundidos y elaborados con originalidad y en relación a intereses completamente alejados de la técnica clásica.
La extensa obra coreográfica de Martha Graham puede ordenarse en tres grandes grupos: 1) Etapa de "solos", caracterizada por una fuerte carga expresiva y la introspección. 2) Danzas de mujeres inspiradas en temáticas de la antigüedad griega y hebrea. Logra con ello penetrar el complejo mundo de las ideas, pasiones y sentimientos humanos desde una perspectiva actual. Según sus propias palabras " lo eterno en el hombre contemporáneo". 3) Un tercer grupo de obras resume temas variados. La inspiración puede venir del vasto paisaje americano, la problemática social del inmigrante, la denuncia de la discriminación de minorías (fue la primera compañía que integró otras etnias en su trabajo artístico). Poemas y obras pictóricas han sido también fuente de su inspiración. El hombre enfrentado a su medio es el objetivo principal de su labor coreográfica. Se interesó por las teorías de Freud y Jung y trató de traducir con tensiones y torsiones el mundo subconsciente.
El punto de referencia central de la técnica es el acto de la respiración. Esta como proceso fisiológico implica enteramente la parte central del cuerpo: tórax y abdomen. La región abdominal es fuente de energía en cuanto a zona de conexión de las dos fuerzas fundamentales creadoras de vida: el sexo y la respiración. Es por esto que el cuerpo del bailarín para llegar a ser plenamente expresivo debe hacer visible todo gesto proveniente de esa zona central, rica en energía.
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