¿Cuándo Nace Hollywood? Historia de la Meca del Cine
Hollywood es uno de los distritos de la ciudad de Los Ángeles que hoy relacionamos mucho con las celebrities. Sin embargo, Hollywood surgió mucho antes de la llegada de las estrellas del cine. Previamente había sido como un pequeño poblado en 1857 totalmente independiente de Los Ángeles.
En la zona, sobre todo, se cultivaban nopales (cactus) con fines comerciales. En ese momento la zona era conocida como valle de Cahuenga. No fue hasta 1886 cuando recibe el nombre de Hollywood.
Según la tradición fue puesto por el magnate inmobiliario H.J. Whitley, al observar la zona, percibió que era un lugar ideal para construir una nueva ciudad que le haría incrementar su fortuna. Existen varios rumores de por qué se llamó Hollywood, por lo que resulta muy complicado saber el por qué real.
Sea cual sea el motivo, lo que está claro es que en la zona se construyó una pequeña zona residencial. Nadie en ese momento pensaba que Hollywood se iba a convertir en la capital del cine.
El Papel de Thomas Edison
En gran parte el “culpable” del cambio va a ser nada menos que el inventor Thomas Edison. Hasta finales del siglo XIX era el mismo Edison quien controlaba por completo el mundo del cine. Las principales productoras, cansadas de este monopolio, deciden irse a la costa oeste, donde las patentes de Edison no estaban aceptadas.
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En esta zona del país también encontraron otras ventajas, como es el clima. Uno de los lugares que se puso de moda rápidamente para vivir entre algunas estrellas y productores de cine fue Hollywood. La zona se desarrolló mucho a finales del siglo XIX y contaba con transporte público que la comunicaba con la ciudad de Los Ángeles.
El único problema de Hollywood era su pésima conexión de agua corriente y su alcantarillado. Va a ser en 1912 cuando abre el primer estudio cinematográfico en Hollywood, Nestor Studio. A partir de ese momento y en adelante comienzan a aparecer las más importantes: Paramount, Columbia, Warner Bros., etc.
La primera película realizada íntegramente en Hollywood fue un cortometraje de 1910 titulado In Old California. Un melodrama sobre el periodo mexicano de California dirigido por el mítico D. W. Griffith.
Pero no todo era cine en Hollywood. Debido a su rápido crecimiento se produjo un “efecto reclamo” entre los inversores inmobiliarios, interesados en construir viviendas y edificios de lujo en la zona.
El Hollywood Sign
Uno de los proyectos más ambiciosos se produjo en 1923. Resulta curioso, pero un cartel cuyo único objetivo era vender casas se convirtió en uno de los mayores símbolos de la ciudad.
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El Hollywood Sign nació en 1923 como un reclamo publicitario para impulsar las ventas de una nueva urbanización llamada Hollywoodland que la empresa inmobiliaria Woodruff & Shoults estaba comenzando a construir junto a las colinas. El editor y dueño del periódico Los Ángeles Times, Harry Chandler, estuvo implicado en el desarrollo como inversor. A él le proporcionó la idea del cartel su colega H. J. Whitley, un famoso promotor inmobiliario con buena vista para los negocios.
Cuando acabó la obra se mantuvo en pie. Debido a que se construyó con el fin de que fuese provisional empezó a deteriorarse. Con el tiempo el letrero se volvió a degradar mucho más que antes. Incluso en los años 70 una de las O de la estructura se había caído.
En ese momento la deuda pública de Los Ángeles era demasiado alta para afrontar el coste de la restauración. A pesar de que Hollywood no nació con el cine sí que está claro que creció gracias a él.
El Hollywood Sign nació en 1923 como un reclamo publicitario para impulsar las ventas de una nueva urbanización llamada Hollywoodland que la empresa inmobiliaria Woodruff & Shoults estaba comenzando a construir junto a las colinas. El editor y dueño del periódico Los Ángeles Times, Harry Chandler, estuvo implicado en el desarrollo como inversor. A él le proporcionó la idea del cartel su colega H. J. Whitley, un famoso promotor inmobiliario con buena vista para los negocios.
La Edad de Oro de Hollywood
El cine clásico de Hollywood fue una etapa del cine americano lleno de ensoñación, glamour y excesos, que hicieron de la industria de cine norteamericana un icono global. Este periodo se engloba entre mediados de los años 30 hasta finales de la década de los 50, una época que muchos han idealizado y vanagloriado a lo largo de los años.
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Aunque es cierto que muchas de las películas más fascinantes de la historia del cine, se llevaron a cabo durante este periodo, la verdad es que reinaba cierta tiranía dentro de los estudios cinematográficos más importantes de aquel momento.
El cine clásico americano, desprendió una inmensa corriente creativa y de grandes innovaciones, pero también es cierto que había cierto totalitarismo y monopolio reinante en aquel Hollywood.
El periodo de cine clásico o como algunos lo denominan (la época dorada de Hollywood) comenzó con la introducción del sonido en la cinematografía. Aunque existe cierta discrepancia sobre cuándo comenzó oficialmente la era del sonido, el lanzamiento de The Jazz Singer (1927) significó un cambio radical en la industria del cine.
Por primera vez el sonido se reproduce a través de los altavoces que rodean un cine mientras las imágenes se reproducen en la pantalla. En 1929, casi todas las películas lanzadas usaban sonido. Durante este tiempo, hubo un puñado de géneros que se fueron introduciendo poco a poco al mundo sonoro; géneros como el western, la comedia del slapstick o los musicales fueron algunos de los géneros que empezaron a usar sonido en sus películas, tras haber cosechado un glorioso periodo en el cine mudo.
Una gran parte de la población norteamericana de finales de la década de los años 20, encontraron en las salas de cine un refugio donde aguardarse de la gran crisis económica que estaba sufriendo el país. No solo utilizaban las salas de cine como escape, sino que también buscaban un significado en esas maravillosas historias.
Las películas de estos años, usaban frecuentemente elementos como el deseo o la pérdida para construir sus tramas; tramas con las que el público de aquellos años de recesión podrían identificarse.
La Metro Goldwyn Mayer, Twentieth Century Fox y Paramount fueron las productoras cinematográficas líderes de la industria, llevando a cabo la mayoría de las películas más importantes de dicho periodo.
Sin embargo, con la unión de sonido e imágenes, muchos críticos de cine argumentaban que la calidad artística de las películas durante ésta época sufrió descenso. Hizo falta hasta finales de la década de 1930 para que el cine se afianzara en la tecnología moderna y comenzara a producir películas con la misma estética creativa que cuando todavía estaba el cine mudo Pero una vez que lo hicieron, el cine se consolidó como una forma fundamental de contar historias.
En el año 1939, el cine de Hollywood alcanzó una popularidad como nunca antes lo había hecho. Estrenos como los de Cumbres borrascosas (1939), Lo que el viento se llevó (1939), El mago de Oz (1939) o Casablanca (1942), abrieron un nuevo periodo de plenitud en la industria hollywoodiense .Todas las películas estrenadas durante estos años se caracterizaron por los distintos avances que presentaban.
Hubo tres elementos primordiales que marcaron el cine de estos años: los dispositivos cinematográficos que se empezaron a utilizar, tramas con una construcción narrativa mucho más sólida y una tecnología más puntera.
Hollywood durante la Segunda Guerra Mundial
Con el inicio de la Segunda Guerra Mundial, Hollywood sufrió de grandes estragos económicos que limitaron las producciones que se venían realizando hasta entonces. Los estudios de cine tuvieron que prepararse para la defensa civil y erigieron elaborados refugios antiaéreos. Se prohibió filmar desde el mar o cerca de instalaciones militares.
Los toques de queda que se impusieron en la nación, prohibían filmar de noche; por lo que no solo fue un batacazo económico, sino también limitaba la filmación de las películas. En 1942, entraron nuevas leyes en vigor en Estados Unidos y se obligó a los estudios de Hollywood a recortar gastos, reciclar equipamientos y a encontrar formas creativas y económicas de producir películas.
Muchas estrellas de cine de renombre se alistaron en las fuerzas armadas norteamericanas. Estrellas de la talla de Clark Gable, Henry Fonda, James Stewart o Mickey Rooney, fueron algunos que se alistaron. Por otro lado, se premiaba los esfuerzos de guerra con cosas muy propias de la sociedad patriarcal de aquel entonces.
Actrices de Hollywood como Rita Hayworth, Betty Grable o Lana Turner fueron algunas de las figuras del cine, que apoyaron a la nación convirtiéndose en modelos para aquellos soldados hambrientos de amor. La mayoría de las estrellas del cine clásico de Hollywood utilizaron su fama para ayudar a vender millones de bonos de guerra.
Hollywood durante la Guerra Fría
Durante la Guerra Fría, la paranoia creció en Hollywood y en el resto de Estados Unidos por el comunismo. En 1947, el Comité de Actividades Antiamericanas de la Cámara (una organización que investigaba posibles vínculos comunistas), decidió investigar el comunismo en las películas.
Se llamó a declarar al menos a 40 personas de la industria cinematográfica. Diez directores y guionistas, conocidos como los Diez de Hollywood, optaron por desafiar la legalidad de las acciones de dicho comité. Alegaron que la investigación violaba sus derechos civiles; sin embargo, sus esfuerzos fracasaron cuando fueron juzgados por desacato al Congreso, multados y finalmente encarcelados.
Después de la tragedia de los Diez de Hollywood, cualquier otra persona en la industria sospechosa de apoyar el comunismo fue incluida en la lista negra y se les negaba el trabajo. Cientos de actores, músicos, escritores, productores y directores se vieron afectados por esto incluida gente como Orson Welles, Charlie Chaplin o Lloyd Bridges.
Caída de la Edad de Oro de Hollywood
La Edad de Oro de Hollywood llegó a su fin debido a dos factores principales: las acciones antimonopolio y la invención de la televisión. Durante décadas, fue una práctica común que las principales compañías cinematográficas compraran salas de cine, que solo mostraban películas producidas por sus compañías.
Este tipo de monopolio obligó al Secretario de Justicia Auxiliar Thurman Arnold a emprender un caso contra las ocho principales productoras de Hollywood en ese momento. Afirmó que estaban violando la Ley Sherman Antimonopolio, que regulaba la competencia entre las grandes corporaciones.
Como resultado del caso judicial, todas las corporaciones de Hollywood firmaron un decreto de consentimiento acordando liberar su dominio sobre los espacios donde se mostraban solo sus películas para así detener la venta anticipada de películas en varios distritos de teatro.
Prohibir también a las compañías cinematográficas programar más de 5 películas en cines, y finalmente, se estableció una junta para hacer cumplir estas reglas.
Cuando estas reglas comenzaron a entrar en vigencia, Hollywood comenzó a revisar y publicar los contratos de sus empleados, reconfigurando por completo la infraestructura de la industria. Los rasgos que hacían individual a cada empresa desaparecieron, con la revisión de sus equipos creativos.
El cambio finalmente llevó a que se estrenaran menos películas a medida que esta nueva dinámica interna iba consolidándose.
Además como hemos mencionado anteriormente, la presencia cada vez mayor de la televisión en los hogares de los estadounidenses y la creciente popularidad de los programas de televisión, hicieron de la tele una fuerte competidora hacia los cines tradicionales.
Los estudios de cine también estaban sujetos al Código Hays, un conjunto voluntario de reglas para la censura en las películas. Si bien no fue un problema importante en la década de 1950, les ató las manos a los creadores, incluso cuando la audiencia empezó a volverse más liberal.
Al final esos dos principales factores con el añadido del Código Hays, hicieron que la época dorada de Hollywood llegara a su fin, a finales de la década de los cincuenta.
Características del cine clásico de Hollywood
En primer lugar, los cineastas empezaron a utilizar dispositivos cinematográficos como la edición de continuidad para dividir las escenas, dando a los espectadores diferentes perspectivas del tiempo y espacio. Del mismo modo, la regla de los 180 grados hizo que los cineastas fingieran que había una línea a lo largo del eje de 180 grados de cada toma, mostrando dónde se debía colocar la cámara para apuntar al centro de la acción.
Esta regla garantizaba coincidencias en la posición y el movimiento de la pantalla y construir un espacio de juego realista para los personajes. Los realizadores empezaron a filmar la acción desde un lado del eje de acción que atraviesa el centro de la acción principal de la escena.
Al permanecer en un lado de esta línea, la cámara asegura esa dirección de la pantalla que permanezca constante. Es decir, si un personaje se para en el ala derecha del cuadro y otro a la izquierda, esos personajes conservan su relación posicional de la pantalla de una toma a la siguiente (a menos que, por supuesto, se muevan).
Ciertos directores como John Ford, violaban repetidamente esta regla y otros como Howard Hawks, la obedecían escrupulosamente. Se establecieron tanto el corte transversal, que reveló la acción simultánea en diferentes ubicaciones, como el corte axial, que no contenía cortes, sino que se movía dentro y fuera de la escena.
En segundo lugar, una construcción narrativa más sólida de la trama. La lógica narrativa general fue impulsada por personajes humanos identificables y establecidos por un comienzo, un desarrollo y un final claramente marcado. De esta forma, la narrativa estaba estructurada por una fórmula estándar de causa y efecto.
También se creó el tiempo cinematográfico. Esto funciona de manera similar como una lógica narrativa, pero también incluye flashbacks a lo largo de la historia.
En tercer lugar, también se destacó por la mejoría tecnológica que empezó a usarse a partir de inicios de la década de los 40. Se empezó a utilizar iluminación artificial, iluminación discreta y efectos visuales. Todos los cineastas de esta época, jugaron con las sombras y la luz para crear cualquier cosa, desde un estado de ánimo alegre hasta una siniestra escena de terror.
Como resultado de estos avances, las películas se hicieron más largas y las tramas más complejas. Las historias que alguna vez estuvieron confinadas al papel como libros u obras de teatro se transformaron visualmente para ser disfrutadas por un público más amplio.
Por último, una de las cosas que venían muy arraigadas del cine mudo, era la importancia que se le debía dar a la imagen, como medio narrativo predominante. En el cine mudo era algo fundamental, que durante el periodo más álgido del Hollywood clásico, se trabajó en traerlo de vuelta.
Por ejemplo, una toma de ángulo bajo en la que la cámara mira hacia arriba, la acción podría adquirir significado a través de un proceso de asociación, convirtiéndose en algo que pudiéramos relacionar con un personaje o situación específica. Esto empezó a utilizarse repetidamente en las películas del cine clásico de Hollywood, brindándoles un mayor valor cinematográfico.
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