Explorando las Profundidades del Cine: Un Vistazo a las Sociedades Secretas y los Hijos Reales en la Pantalla
Desde Corea del Sur llega este intenso drama de acción que se adentra en las sombras de una sociedad secreta de asesinos a sueldo. Durante años, esta organización operó con reglas férreas y jerarquías incuestionables, pero la llegada de una nueva generación de sicarios pone todo en jaque.
La ficción alemana creada por Tobi Baumann y Jan Martin Scharf se sumerge en la vida de cuatro amigos cuarentones que, de repente, se ven obligados a enfrentarse a un mundo en transformación. La llamada “crisis de la masculinidad” les golpea de lleno: pierden privilegios, certezas y la cómoda posición que durante años habían dado por sentada. Entre el humor ácido y el drama cotidiano, la serie retrata cómo intentan redefinirse como padres, parejas y profesionales, en un entorno donde las mujeres reclaman el espacio que siempre les perteneció.
Ambientada en la caótica dinastía Joseon, la serie transporta al espectador a un territorio marcado por la inestabilidad política y la violencia latente.
Actores que Dirigen: Una Mirada Tras las Cámaras
Desde los tiempos del cine mudo ha habido actores que también ejercían como directores. Charles Chaplin o Buster Keaton son los más conocidos pero, con el paso de los años, eran más los que traspasaban sus inquietudes a la dirección.
Clint Eastwood: Un Icono Detrás y Delante de la Cámara
Clint fue uno de esos casos en que casi perdemos a un artista de su talla. Tras deambular por producciones televisivas y con poco éxito en la gran pantalla, explotó trabajando para Sergio Leone en el llamado spaguetti western y se convirtió en una estrella con más de 35 años. Con más de 40 debutó en la dirección y “Escalofrío en la noche” le inició una carrera que, con el tiempo, es símbolo de calidad y maestría.
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Luego vinieron westerns como “Infierno de cobardes”, “El fuera de la ley” o “El jinete pálido”, esa maravilla romántica que es “Primavera en otoño” o algunas de la saga del inspector Harry Callahan como “Impacto súbito”, pero fue a partir de la 2ª mitad de los 80 cuando explotó todo su talento tras las cámaras. Joyas como “Bird”, “Cazador blanco, corazón negro” y los 4 Oscar para “Sin perdón” en 1992 lo encumbraron a lo más alto.
En los 90 rodó algunas de mis películas favoritas como “Un mundo perfecto”, “Los puentes de Madison County” o “Medianoche en el jardín del bien y del mal”, pero sería en el siglo XXI cuando volvió a deslumbrarnos con “Mystic river”, que ganó 2 Oscar de las 6 nominaciones que logró, “Million dollar baby”, que volvió a otorgarle 4 Oscar, la dupla dedicada a la guerra de Vietnam “Banderas de nuestros padres” y “Cartas desde Iwo Jima”, rodada enteramente en japonés o “Gran Torino”.
Una prostituta en Big Whiskey es rajada en la cara y, con la oposición del tiránico sheriff Little Bill ofrecen una recompensa de 1.000 dólares para que maten a los vaqueros que lo han hecho. Aparece Bob “el inglés” para conseguir el botín, pero la paliza que sufre a manos de Bill para ahuyentar los intentos es de órdago. En Kansas, William Munny, se reformó de su pasado sangriento a manos de su esposa ya muerta, pero un joven va a buscarlo para conseguir el dinero y, tras negarse, acaba aceptando con la ayuda de su viejo amigo Ned. La lucha por mantener su redil por parte de Bill y la venganza de Will por lo que hace Bill para conseguirlo es brutal.
Repleta de frases fantásticas, obra del guión de David Webb Peoples, con una fotografía mayestática de Jack N. Green, que sabe combinar a la perfección los soleados valles del camino con la noche lluviosa de Wyoming, y un reparto espectacular, con Clint como Will, Gene Hackman, que ganó el Oscar a mejor secundario, como Little Bill, Morgan Freeman como Ned, Richard Harris como Bob, Saul Rubinek como el escritor que va cambiando de bando ante la mejor historia, Jaimz Woolvett como el joven cegato, Anthony James como el dueño del burdel, o el elenco de actrices que dan vida a las putas lideradas por Frances Fisher y Anna Thomson, dan vida a una película magistral que acabó ganando 4 merecidos Oscar para Clint como director, Gene como actor secundario, Joel Cox por el montaje y el de Mejor película.
Orson Welles: El Innovador Inconformista
El impacto de Orson en Estados Unidos fue sobrenatural. Comenzó en el teatro de muy joven, fundó el Mercury Theathre en 1937 y ahí coincidió con actores de la categoría de Joseph Cotten, Agnes Moorehead o Everett Sloane. En 1938 la radio emitió a nivel nacional su representación de “La guerra de los mundos”, creando una historia que dio por cierta la historia que interpretaban. Ello le generó un contrato en Hollywod con RKO, dándole total independencia creativa. Su irrupción fue con “Ciudadano Kane”, una cinta que revolucionó el lenguaje cinematográfico y lo puso al frente de la crítica y la innovación.
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Obtuvo 9 nominaciones al Oscar, ganando solo el Mejor guión original, pero su revolucionaria visión propia le metió de lleno en todas las listas de mejores películas de la historia durante 100 años. Con él llegaron a California Cotten, Moorehead, Sloane, George Coulouris o Ray Collins. Su siguiente trabajo, la magnífica “El cuarto mandamiento” ya fue recortada brutalmente por la productora que intentaba meterlo en cintura. Alternaba sus trabajos como actor con otras producciones que aprovechaban su nombre para empujarla, como “El extraño”, o para dejar toques claros de su talento desbordante como “La dama de Shanghai”. La caza de brujas le llevó a emigrar a Europa, trabajando en multitud de proyectos para costearse sus propios proyectos.
Su acercamiento a Shakespeare es notable, con trabajos tan notables como “Macbeth”, “Otello” o “Campanadas a medianoche”, aunque su mayor reconocimiento a nivel popular sería como actor en “El tercer hombre” de Carol Reed. Su vuelta a USA como director sería con otra obra maestra como “Sed de mal” en 1958.
Solo por el plano secuencia inicial ya valdría la pena, pero además está aderezada con un atractivo estético continuo, una historia atractiva en la frontera entre Estados Unidos y Méjico, un reparto innovador en los personajes, donde la corrupción, la violencia y el poder van de la mano. Mike Vargas y Susan se acaban de casar y presencian la explosión del coche de un capo de la droga. El caso acaba en manos de Hank, pero Mike es policía mejicano y, al ser en la frontera, colabora con la policía norteamericana. La imponente presencia de Orson Welles como el obeso y pendenciero Quinlan, C. Heston como el policía mejicano, con ese bigotito inolvidable, que intenta resolver el por qué, J. Leigh como su esposa Susan que, al intentar ponerla a salvo la mete en el ojo del huracán, J. Calleia como Menzies, el ayudante de Hank, o la aparición de Marlene Dietrich como Tanya, la gitana que adivina el futuro, hacen que la historia sea tan magnética como cada plano y escena, repletos de ese blanco y negro oscuro y agresivo que nos pone en tensión.
Roman Polanski: El Director de Contrastes
Nacido en Polonia, empezó a destacar allí, especialmente cuando fue nominado a la Mejor película extranjera por “El cuchillo en el agua”. Al poco emigró y, especialmente en Gran Bretaña, desborda su talento con títulos como “Repulsión” o “El baile de los vampiros”. Ahí conoció a Sharon Tate, cuyo posterior asesinato por el clan Manson copó todas las portadas del mundo. Triunfa en Hollywood con una de las joyas de su filmografía, “La semilla del diablo”, aunque sería su siguiente “Chinatown” la que lograría el primer Oscar para una película suya (a Mejor guión original). Tuvo que emigrar para seguir rodando.
En Los Ángeles, en los años 30 del siglo XX, un detective privado es contratado para investigar, primero la infidelidad de un hombre y después los tejemanejes inmobiliarios del condado en recursos fluviales. Jake Gittes juega en varias partidas a la vez que intenta desentrañar qué es lo que se esconde detrás de todo eso. El productor Robert Evans está detrás del proyecto, con Robert Towne en el guión, Roman Polanski en la dirección y un gran reparto encabezado por Jack Nicholson y Faye Dunaway. Los constantes giros en la investigación y el deslumbrante sol de California son tan protagonistas como las intrigas que se manejan en la oscuridad.
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Woody Allen: El Genio de Manhattan
Comenzó como guionista de comedia y cómico de stand up comedy, creando un personaje propio que se relaciona con él. Su acceso inicial al cine llegó en comedias más físicas y absurdas. Primero actuaba para otros directores hasta que debuta actuando y dirigiendo en “Toma el dinero y corre”. A la vez actuaba para otros como en “Sueños de un seductor” o “La tapadera” pero, a partir de “Annie Hall” cambiaría su estilo por algo más filosófico e introvertido. Ahí ganó 4 Oscar y, desde entonces, ha conseguido más de 20 nominaciones, casi todas como guionista.
En su carrera ha destacado tanto como actor, director, escritor o dramaturgo, aunque mucha gente solo lo conoce por sus escándalos en los tribunales, acusado por su ex pareja Mia Farrow por abusos sexuales a sus hijos. Las vidas y diversos líos de los protagonistas ocurren en Manhattan, con música de Gershwin, un b/n fantástico, diálogos punzantes e ingeniosos, un guión romántico de recuerdos y sensaciones de gusto clásico. En una fiesta Isaac coincide con Mary y pasean a su perro salchicha, charlan y acaban sentados en un banquito frente al puente de Brooklyn, en una de las imágenes definitivas de su arte.
Mel Gibson: Entre la Acción y la Fe
Actor y director estadounidense que, siendo muy pequeño, emigró a Australia con su familia para evitar la guerra de Vietnam. Allí comenzó a despuntar, especialmente con las primeras partes de la saga Mad Max de George Miller o las colaboraciones con Peter Weir “Gallipoli” y “El año que vivimos peligrosamente”. Debutó en la dirección en 1993 con “El hombre sin rostro” y, 2 años después, ya ganaría el Oscar a Mejor director por “Braveheart”. Esa segunda mitad de los 90 se especializó en películas de acción y en 2004 aunó su talento especial para la creación con su elevada creencia religiosa con “La pasión de Cristo”.
Su tumultuosa vida privada, con varios escándalos, chocaba de lleno con su maestría en los proyectos que abordaba como director. Hace poco ha anunciado que va a rodar la 2ª parte de su cinta más polémica con Jim Caviezel de nuevo como protagonista en “La resurrección de Cristo”. Mel Gibson se basa en la historia real de Desmond Doss, un joven que participó en la IIGM pero se negó a portar armas por creencias religiosas. La película se puede dividir en 2 partes, una 1ª en que narra la vida de su familia en un pueblo de Virginia, las relaciones con su hermano, sus padres y la mujer que compartirá su vida, y una 2ª centrada en su participación en la IIGM y en la batalla de Okinawa.
Cronos: Reconstruyendo un Atentado en Barcelona
La cinta lleva por título Cronos y reconstruye los cinco días que siguieron al atentado de agosto de 2017. Según La Vanguardia, el proyecto dirigido por Fernando González Molina revive la llamada operación Cronos, activada por los Mossos d’Esquadra para capturar al autor del atropello y coordinar las tareas de rescate. El rodaje se realiza en los mismos lugares donde todo ocurrió. De acuerdo con Tot Barcelona, las cámaras de Cronos ocuparán la Rambla y sus inmediaciones entre el 18 de octubre y el 3 de noviembre.
La película cuenta con la colaboración del Ayuntamiento, los Mossos, los Bomberos, la Guardia Urbana y el Sistema de Emergencias Médicas. El guion, escrito por Alberto Marini, narra con detalle las 124 horas que duró la operación policial. Cronos muestra las tensiones entre instituciones, la presión mediática y el impacto en la población. Según la productora Beta Fiction Films, fueron “cuatro días interminables de confusión, tensión, frustración, rabia y confrontación política que terminaron con la muerte del último terrorista fugitivo”.
El reparto lo encabezan Enric Auquer, Mònica López y Diana Gómez. Auquer interpreta a un agente que escucha por teléfono la llamada que lo moviliza hacia la plaza de Catalunya. Fernando González Molina explicó a La Vanguardia que su intención era mostrar todas las víctimas del suceso, incluidas las familias de los terroristas y la población árabe afectada por las consecuencias sociales del ataque. Dijo que “nada me gustaría menos que la película se tomara como lo que no es. Al final hay muchas víctimas. En palabras de la productora Núria Valls, “han venido a hacer de figurantes porque para ellos es casi sanador venir aquí y revivir la experiencia desde otro lugar”. Su compañera Mercedes Gamero añadió que “el Ayuntamiento ya ha reconocido la película como un archivo histórico de la ciudad. Es una historia muy emocional”. La película Cronos se estrenará en 2026 y contará con la participación de Nostromo Pictures, Beta Fiction Films, Hogar Producción AIE, 3Cat, RTVE y Movistar.
El Embarazo Adolescente en el Cine: Un Tema Complejo
Las situaciones personales, familiares, sociales, médicas y psicológicas que rodean al embarazo de una adolescente son un filón para el cine. Y desde esta sección de Terapia cinematográfica hoy proponemos un recorrido por 7 películas argumentales sobre el embarazo en adolescentes, aunque veremos que son numerosas las historias al respecto en el séptimo arte, tanto en largometrajes como en telefilmes. De cada película ofreceremos una breve ficha de la película y nuestros protagonistas, destacaremos las emociones y reflexiones que podremos extraer, y enunciaremos algunas frases “de cine” para el recuerdo que se derivarían de “prescribir” ese film.
Películas Destacadas sobre el Embarazo Adolescente
- Quinceañera (Richard Glaztzer, Wash Westmoreland, 2006): Para recordar que esa edad no siempre es una fiesta.
- Juno (Jason Reitman, 2007): Una película amable que se ve (y recuerda) con una sonrisa.
- 9 meses (Guillaume Senez, 2015): Un film conmovedor y violentamente atractivo sobre la maternidad/paternidad en la adolescencia.
- La inocencia (Lucía Alemany, 2019): Una historia que hemos visto muchas veces, pero pocas veces narrada con esta naturalidad.
- Nunca, casi nunca, a veces, siempre (Eliza Hittman, 2020): Una película tan inolvidable como su título.
- El acontecimiento (Audrey Diwan, 2021): Los 9 meses que nos llevan a uno de los más hermosos acontecimientos de la vida no siempre son un tiempo feliz.
- La maternal (Pilar Palomero, 2022): ...
Respira: Un Drama Médico que Invita a la Reflexión
En 2024, de forma casi inesperada, 'Respira' se convirtió en esa serie española de médicos de la que hablaba todo el mundo. Aunque su fórmula, la de las historias personales de médicos y pacientes de un hospital, podía sonar a cuento viejo, la serie de Netflix, creada por Carlos Montero (uno de los cerebros de 'Élite'), reflexionaba sobre la privatización de la sanidad pública o las precarias condiciones que, desgraciadamente, vive esta a menudo.
Para nosotros ha sido un trabajo muy gustoso, muy divertido y muy enriquecedor. Aparte, toda la parte que tiene que ver con la sanidad pública, la privatización... En mi caso, además de mi trabajo como actor también quiero estar en el mundo en el que vivo y quiero participar del debate o generar el debate. Y luego ya cada uno como espectador que piense lo que quiera. Creo que, además de estar haciendo una serie de Netflix generalista y comercial, estamos contando una realidad de nuestro país y una realidad importante y necesaria sobre la que tenemos que pensar.
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